Горацио считает это всё
Игрой воображенья и не верит
В наш призрак…
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)


Эмиль Капелюш. «Хор». 2014. Дерево, металл:




…Что может нас пробить, как достучаться до нас? Что способно-таки поразить наше воображение сегодня? Некая «яркость» и «понятная» простота? Модное ситечко от остапа бендера? Новое платье короля? Игра короля его свитой? Капли датского короля? Его призрак?

Сложно с нами… Или легко? Ведь мы с пол-оборота готовы воодушевлённо участвовать в провокации, будь то разводка пранкерами и «технологами», ну или искусствоведами под прикрытием, умело трактующими в «нужную пользу» слова оппонента, прочтение «нехороших» скульптур, перформансов-акций и постановок… В таком «игровом» состоянии коммуникаций и норм возможного – уже даже суды, как мы видим, спокойно переворачивают очевидное, вменяя и запечатлевая в приговоре умысел обвиняемого, противоположный действительному посылу и побуждению…

Что же нужно такое сделать, как сплясать, чтобы мы приняли другого, «странного», разглядели, печёнками почувствовали именно смысл, вытесненный мемами и ярлыками, увидели, словно со стороны, «сцены» из нашей собственной жизни?

Я странен; а не странен кто ж?
Тот, кто на всех глупцов похож…
(А.С.Грибоедов)

Однако каждый вступающий в контакт продолжает надеяться на понимание и даже, иногда, сопереживание. Тем более художник театральный. В Шереметевском дворце – Музее музыки в Санкт-Петербурге до 27 сентября проходит выставка, приуроченная к 45-летию творческой деятельности Эмиля Капелюша «Театр художника… и не только театр», художника востребованного, ценимого и в профессиональной среде, и зрителем.

Несколько слов об этой, и ещё о паре выставок уходящего лета. «Странные» образы, создаваемые художниками – эти сгустки света, тени, цвета, переплетения структур и ритмов – «о чём» говорят, или умалчивают они? Может быть, в помощь внезапным ассоциациям послужат хрестоматийные цитаты, почему-то всплывающие в голове – в связи с увиденным. Которые, признаемся, тоже нуждаются в контексте, способном вызывать наше сопереживание.

Внимать тебе – мой долг.
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)

1. Эмиль Капелюш. «САМОлёты». 2014. Дерево, металл
2. Эмиль Капелюш. «Чёрные птицы». 2015. Металл




Подробностей разгадки я не знаю,
Но в общем, вероятно, это знак
Грозящих государству потрясений.
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)


Эмиль Кампелюш – театральный художник, живописец, график. Родился в 1954 году, в Ленинграде. Окончил ЛГИТМиК, курс Игоря Иванова по специальности художник-постановщик. Спектакли в его оформлении идут практически во всех театрах Санкт-Петербурга. Оформил более 300 спектаклей в Санкт-Петербурге, Москве, Красноярске и других городах России, в Грузии, странах Балтии, Швейцарии, Великобритании, Германии, Болгарии, Финляндии, Южной Корее, США, Китае. Участвовал в международных театральных проектах и фестивалях – Авиньонском, Берлинском, Манчестерском и других. Кроме того, он дизайнер выставочных пространств, например, часто в Музее Анны Ахматовой в Фонтанном доме. Заслуженный художник России. Лауреат Российской Национальной театральной Премии «Золотая Маска». Лауреат Высшей театральной премии Санкт-Петербурга «Золотой софит». Премия за лучшую сценографию на театральном фестивале в Манчестере. Приз Международного театрального фестиваля «Балтийский дом». Работы художника представлены в коллекциях Государственного Русского музея, Государственного центрального театрального музея имени А.А. Бахрушина, Санкт-Петербургского государственного музея театрального и музыкального искусства, Литературно-мемориального музея Ф.М. Достоевского, Санкт-Петербургской государственной театральной библиотеки и в других собраниях.

Как отмечают арт-критики, наряду с понятием «режиссерский театр» существует также понятие «театр художника», и «театр Эмиля Капелюша» – с его разнообразнейшим «репертуаром» – один из самых знаковых и масштабных в Санкт-Петербурге. Н.В. Гоголь «Старосветские помещики» (ТЮЗ), «Женитьба» (Александринский театр). «Голь» и «Женитьба Гоголя» (Театр на Литейном). В. Шекспир «Буря» (Театр им. В.Ф. Комиссаржевской). А. Стриндберг «Отец» (БДТ) и «Фрекен Жюли» (Балтийский дом). А.Н. Островский «Без вины виноватые» (Балтийский дом). А.П. Чехов «Леший» (ТЮЗ). В Театре имени Евгения Вахтангова – «Король-Олень» К. Гоци, «Королева Красоты» Мак Донаха, «Школа злословия» Р. Шеридана…


Эмиль Капелюш. «Горизонталь». 2015. Дерево:




На выставке представлены эскизы декораций и костюмов к знаменитым спектаклям «PRO Турандот», «Буря», «Король Убю», «Орнитология» и др., а также графические серии по мотивам театральных постановок, самостоятельные живописные работы, деревянная и керамическая скульптура, инсталляционные объекты. При этом экспозиция, расположенная в нескольких залах, сама представляет собой самостоятельный целостный спектакль, со сменой декораций, выстроенных автором и, по театральным традициям, подсвеченных (совместно с Юрием Капелюшем, отвечавшим за свет) для возможности «полного погружения» – так, что тени, падающие от предметов, тоже стали объектами, частью скульптурных конструкций. И персонажами, живыми призраками.

Журналист Алина Циопа, в обзоре «Мысль материальна. В Шереметевском дворце показывают, как вещь может быть спектаклем», так описывает своё прочтение сюжета сценографии этой выставки: «…Маршрут из зала в зал выстроен по кругу: пойдешь по часовой стрелке – получится притча о вечности, пойдешь против часовой – сказ о романтическом герое, который, пройдя цепочку приключений, остаётся один на один с жестоким миром».


1. Эмиль Капелюш. Из серии «Головы». 2018. Дерево, металл
2. Эмиль Капелюш. Стиральная доска «Смелый». 2019. Металл




…Никакой информации. Одни огрызки… и мы ещё должны анализировать эти приказания. Которые мы едва помним. Которые ничем не отличаются от инстинкта…
(Том Стоппард. «Розенкранц и Гильденстерн мертвы», перевод Иосифа Бродского)


Эмиль Капелюш о своих арт-объектах: «В театре важны минимализм, ясность, функциональность. В театре – всё для спектакля! А здесь моя воля: не хочу быть слишком ясным. Всё, что накапливается и хочет быть созданным, ищет выхода. Раньше это были живопись, графика, плоскостные вещи, последние лет пятнадцать – объёмные. Многие художники замечали, что театр похож одновременно на детский конструктор и народную игрушку. То, что я делал раньше, было игрушкой, пытался создавать модель мира в уменьшенном масштабе. Игрушка превратилась в скульптуру. В неё вторглась жизнь: дерево и ржавый металл, гвозди, куски старых предметов. Они сразу не опознаются, я сознательно делаю их незаметными. Меня спрашивают: «Это из жизни?» и ошибаются. Все эти предметы от начала и до конца сделаны моими руками».


Эмиль Капелюш. Композиция. Дерево:




Одна ли тут игра воображенья?
Как ваше мненье?..
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)


1. Эмиль Капелюш. «Портрет жены художника». 2020. Гранит, металл, дерево
2. Эмиль Капелюш. Без названия. 2017. Дерево




Я помешан только в норд-норд-вест. При южном ветре я ещё отличу сокола от цапли.
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)


1. Эмиль Капелюш. «Птица». 2009. Дерево, металл
2. Эмиль Капелюш. «Подголовник». 2019. Дерево




Искусствовед Ксения Малич: «В работах Эмиля Капелюша вечная энергия человеческого созидания медленно, спокойно, последовательно претворяется в базовые архитектурные архетипы. Они вырастают из глины, из протоматерии – незашлифованной, обнажённой в своей вневременности. Или напоминают механические старые аппараты – кинетические скелеты, запущенные человеком, но на человека не похожие. Парадоксально, эти протоформы, наверное, и есть символ прогресса, результатом которого становятся наши тщательно утрамбованные культурные слои, наши коллективные действия и наша память».


Заключите меня в скорлупу ореха, и я буду чувствовать себя повелителем бесконечности.
(Уильям Шекспир. «Гамлет, принц датский», перевод Б. Пастернака)


Эмиль Капелюш. «По вертикали». 2021. Инсталляция. Дерево, металл:




Канта нельзя обойти тому, кто хочет заниматься философиею серьёзно. Его идеи необходимо изучить и критически продумать: иначе он будет вечно стоять пред сознанием тёмным и смущающим призраком.
(Александр Введенский. «Учение Канта о пространстве»)


Подробнее о выставке Эмиля Капелюша в Шереметевском дворце – Музее музыки и вернисаже: ЗДЕСЬ
Также можно познакомиться с другой экспозицией Эмиля Капелюша (2014 года, к 60-летию художника) – в Музее Анны Ахматовой в Фонтанном доме: ЗДЕСЬ


Теперь ещё об одной текущей выставке.

Это было в те дни, когда люди впервые летали над столицей севера. Я жил высоко и думал о семи стопах времени…
(Велимир Хлебников. «Ка»)


Владимир Загоров. «Под деревьями». 1998-1999. Холст, масло:




В Музее искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков до 5 сентября открыта юбилейная выставка Владимира Загорова «Путешествие вдоль берега. То, что вокруг».


Мы долго искали такую, подобную чечевице, задачу, чтобы направленные ею к общей точке соединенные лучи труда художников и труда мыслителей встретились бы в общей работе и смогли бы зажечь и обратить в костёр даже холодное вещество льда. Теперь такая задача – чечевица, направляющая вместе вашу бурную отвагу и холодный разум мыслителей, – найдена. Эта цель – создать общий письменный язык, общий для всех народов третьего спутника Солнца, построить письменные знаки, понятные и приемлемые для всей населенной человечеством звезды, затерянной в мире. Вы видите, что она достойна нашего времени. Живопись всегда говорила языком, доступным для всех.
(Велимир Хлебников. «Художникам мира»)


Владимир Загоров. «Счастливый сад». 1999. Холст, масло:




Владимир Загоров (Толстой) родился в 1951 в Краснодаре. Живописец, график, скульптор, автор объектов. Выпускник мастерской монументальной живописи А.А.Мыльникова Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е.Репина (1978). После поездки в Узбекистан (1984), оказавшей значительное влияние на его образный мир как художника, появляются первые абстрактные работы. В 1993 году проходит первая персональная выставка Загорова в ЦДХ в Москве, на которой он показывает только нефигуративные работы. Член Союза художников. Член Санкт-Петербургской Академии Современного Искусства. Член Международного творческого союза художников (IFA). Преподавал живопись и композицию на отделении монументальной живописи в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной (теперь Санкт-Петербургская государственная художественно-промышленная академия имени А.Л. Штиглица), ныне преподает живопись на факультете графического дизайна в Санкт-Петербургском государственном университете.
Работы находятся в собраниях:
Государственный Русский музей (Санкт-Петербург). Эрмитаж (Санкт-Петербург). Государственная Третьяковская галерея (Москва). Городской музей Санкт-Петербурга (Санкт-Петербург). Музей городской скульптуры (Санкт-Петербург). Музей современного искусства (Сосновый Бор). Галерея современного искусства «Анна» (Санкт-Петербург). Псковская картинная галерея. Казанская городская картинная галерея. Новосибирский художественный музей. Музей Анны Ахматовой в Фонтанном доме (Санкт-Петербург). Манеж (Санкт-Петербург). Государственный музей современного изобразительного искусства «Царскосельская коллекция» (г. Пушкин). Николаевский художественный музей имени В.В. Верещагина (Украина). Галерея Генри Наннена (Эмден, Германия). Городская картинная галерея Пловдива (Болгария). Галерея искусств Букнельского университета (Пенсильвания, США).


1. Владимир Загоров. «То, что вокруг». 2016-2019. Холст, масло
2. Владимир Загоров. Композиция




Искусствовед Екатерина Андреева обращает внимание зрителя на характерные для автора «биоморфные элементы» в его абстрактных композициях – и проводит линию преемственности этой тенденции от творчества Владимира Стерлигова и Татьяны Глебовой: «В этой живописи фиксируется своеобразный след реальности, оставшийся в сознании и восприятии, но, подобно потерянному сюжету сна, сохранивший только косвенные очертания и признаки: контуры, впечатления от тактильных ощущений и запахов и т.п. …Избранный художником путь абстрактной изобразительности представляется единственно адекватным цели его искусства, заключённой в фиксации внутренних ритмов, индуцированных в сознании многообразной пластикой мира».

Кроме того, надо также отметить, колорит его композиций яркий, но, скорее, пастельных тонов, не агрессивный, а праздничный и – просветлённый.

Как подчёркивал искусствовед Александр Боровский в статье из каталога к выставке художника в Русском Музее, «для Загорова главное – органика собственного пути».

Так что, хотя художник, пройдя разные творческие периоды, остановился на абстрактном направлении, всё же фигуративное в творчестве Загорова не уходит насовсем. Помимо элементов реального мира, просматривающихся в его «геометрических» полотнах, в творчестве художника продолжается и сюжетная тематика. Это серии «Музыка для всех» и «Цирк», ню, а также и пейзажи, которые он пишет в путешествиях. Выставку «пленэров» Загорова (в пространстве «Жил@работал» Юрия Молодковца, фотографа Эрмитажа и коллекционера) – «Фрагмент путешествия» – можно посмотреть ЗДЕСЬ


Владимир Загоров. «Фрагмент путешествия». Графика, 2017:




И пока они пели, играла чудная, превосходная, всё и вся покоряющая музыка. И казалось, что разным чувствам есть ещё место на земле.
(Александр Введенский. «Потец»)


Владимир Загоров. «Урок музыки». 1995-1997. Холст, масло:




Подробнее о выставке Владимира Загорова в Музее искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков и вернисаже – ЗДЕСЬ


Хочу вспомнить ещё об одной выставке уходящего сезона – Иосиф Зисман. «Пространство людей» – демонстрировавшейся в петербургском музее современного искусства Артмуза. Эта выставка, мне кажется, тоже о внутреннем свете, о реальности как дыхании и сновидениях.

Помню раннее, свежее, тихое утро… Помню большой, весь золотой, подсохший и поредевший сад, помню кленовые аллеи, тонкий аромат опавшей листвы и – запах антоновских яблок, запах мёда и осенней свежести. Воздух так чист, точно его совсем нет…
(Иван Бунин. «Антоновские яблоки»)


Иосиф Зисман. «Отдых». 1980. Холст, масло:




Искусствовед Елизавета Шагина: «Бывает, подолгу вглядываешься в дымчатое очертание пейзажа в туманный день, а потом улавливаешь знакомые формы – и возникает чувство радостного узнавания: вот дерево склонилось над озером, а вот виднеется крыша дома. Это почти интуитивное познание напоминает детские ощущения… Так и при восприятии живописи Иосифа Зисмана: наше сознание ликует, когда в сфумато фигуры и линии проявляются, и образ предстает лаконичным, лишённым всего ненужного, дополнительного».

Иосиф Натанович Зисман (1914-2004). Родился в Киеве. В 1919 году во время погрома погибли его родители. С пятилетнего возраста вместе со старшей сестрой воспитывался в киевском детском доме. Окончил московский институт повышения квалификации художников по классу живописи у Бориса Иогансона. Участник Великой Отечественной войны, награждён медалью «За отвагу», а также орденом Великой Отечественной войны I степени. Член Союза художников РСФСР. Произведения И.Н. Зисмана хранятся в коллекциях Государственного Русского музея (Санкт-Петербург), Государственного музея театрального и музыкального искусства (Санкт-Петербург), Центрального выставочного зала «Манеж» (Санкт-Петербург), Музея Анны Ахматовой в Фонтанном доме (Санкт-Петербург), Государственный музей современного изобразительного искусства «Царскосельская коллекция» (г. Пушкин), государственных художественных музеев Архангельска, Саратова, Хабаровска, Комсомольска-на-Амуре, Сочи и других, а также частных собраниях в России, США, Германии, Израиле и других странах.

Образ окружающего нас бытия, светящийся в памяти туманностями земных андромед – вот очевидный и узнаваемый зрителем постоянный «натурщик», которого выбрал И. Зисман. К подобному впечатлению от картин художника обращаются в своём анализе практически все размышляющие об этом тонком живописце.

Искусствовед Ирина Карасик: «Чёткость изображения ослаблена, оно размыто, смазано, окутано плотной живописной тканью. Картины Зисмана поэтому ассоциируются не столько с натурой, сколько с восстановленными по памяти зрительными образами или даже с самим процессом вызова визуальных воспоминаний. Такому впечатлению способствует и бессобытийность сюжетов, превращённых в длящиеся состояния».

Художник Анатолий Заславский о творческом методе Зисмана: «Мир, наш реальный мир, постепенно дематериализуется, преображаясь в цветовое свечение, как будто желая исчезнуть».


Иосиф Зисман. «Старик и мальчик». 1980-е. Картон, масло:




– Я хочу домой.
– Не давай им сбить себя с толку.
(Том Стоппард. «Розенкранц и Гильденстерн мертвы», перевод Иосифа Бродского)


Подробнее о выставке Иосифа Натановича Зисмана в Артмузе и вернисаже – ЗДЕСЬ
А вот фотообзор ещё одной выставки живописи Иосифа Зисмана (и скульптуры Льва Сморгона) – ЗДЕСЬ
И обзор выставки графики И.ЗисманаЗДЕСЬ

«Будь проще» – этот популярный ныне девиз давно уже дал слишком буквальные всходы: воинствующее, порой погромное обнуление всего и вся, наших собственных интересов, нашей способности слышать, хотеть услышать друг друга. Обнуление нас самих. Куда проще?.. Может, как намекал Жванецкий, действительно «в консерватории что-нибудь поправить»?

Как говорится, простота хуже воровства. Не давай сбить себя с толку.




Загрузка комментариев...

Самое обсуждаемое

Популярное за неделю

Сегодня в эфире